Au sujet de l'exposition ''Allegro vivace'' octobre-novembre 2009

                              Texte  d'Emmanuelle Lequeux, critique d'art et journaliste au Monde, à Beaux-Arts magazine et à la revue 02

 

Notre fin serait proche ? Notre dernière heure arrivée ? Sans catastrophisme, l’œuvre de Thomas Monin tente d’aiguiser notre conscience quant à la tragédie écologique qui menace la planète Terre. Son exposition est ainsi comme « un sursaut, proche de l’énergie du désespoir ». Aux antipodes de tout anthropocentrisme, l’artiste met en scène à travers dessins, vidéos et installations les ultimes énergies que met la nature dans sa survie. Il revendique sans apprêts notre animalité. Et se lance dans une tentative de symbiose avec ce que l’on nomme trop souvent l’environnement, et qui s’avère en fait un univers, lequel, plutôt qu’il ne nous entoure, nous submerge, nous dépasse et nous contraint à la plus grande humilité. Mêlant iconographie chrétienne, études d’entomologistes et dérives naturalistes, il invente une sorte de poésie activiste, qui aux slogans préfère la profondeur de la réflexion. Qui, à la lumière de l’optimisme béat, substitue une certaine noirceur. Une œuvre qui se refuse à se voiler la face. Quand tant d’artistes contemporains se contentent de récupérer le combat écologique pour en faire une image de marque, Thomas Monin livre une œuvre qui relève d’une impérieuse nécessité. Quand beaucoup se contentent de dresser un constat en érigeant une nature artificielle, dénuée de toutes racines, lui s’attaque aux racines du mal. Question de vie ou de mort : dans ses vanités d’aujourd’hui, l’artiste met en garde contre les désastres qui s’annoncent à l’horizon. Les évoque par exemple en un dessin, où une tornade infinie se dessine au gré de multiples prénoms, et semble annoncer un dénouement inéluctable : l’entropie du monde, c’est désormais nous qui en sommes les auteurs, plus que le temps.

La matière vivante est le cœur palpitant de cette œuvre, vaste arche de Noé où pourraient venir se réfugier les espèces menacées d’extinction. Les animaux y défilent, fragiles, abimés, splendides malgré tout. Ainsi de cette tête de cerf qui ouvre l’exposition en une vidéo : le crâne de la bête brûle, mais les bois résistent ardemment au feu, gardant toute leur noblesse bien que maltraités par l’homme au fil de l’histoire : porte-manteau, porte-fusil désormais porte-conscience ? En écho, un dessin évoquant un faon sautant à travers des bois de cervidé immenses, comme réduit à n’être plus qu’un animal de cirque. Mais aussi un cerf sur le dos duquel des bois ont poussé, et qui hante dans une lithographie le triptyque de Francis Bacon, Trois études de figures au pied d’une crucifixion. Autre animal, ce crapaud dont l’artiste en un dessin titre un véritable portrait : un Bufo Periglenes, espèce endémique du Costa Rica qui disparut en 2001. Un petit monument aux morts.

Mais c’est l’abeille qui revient essentiellement en leitmotiv : celle que l’on étudie trop souvent pour simplement mieux comprendre l’homme dans son fonctionnement social, celle que les insecticides et OGM assassins condamnent peu à peu, celle dont on dit que la disparition annoncerait de quelques années l’éradication de l’espèce humaine. Thomas Monin en dessine les larves comme pour perpétuer coûte que coûte leur survie. Il en dessine les alvéoles vidées de tout corps, livrées à la blancheur de l’absence. Il la crucifie en une installation où elle prend taille humaine, évoquant la violence de ce geste de l’entomologiste qui consiste à épingler les insectes pour mieux les étudier, disent-ils. Il lui donne aussi un visage humain dans un dessin où apparaît l’esclave Edmond Albius, qui inventa une manière artificielle de féconder la vanille : l’homme se substituant encore une fois à une abeille disparue.

De la mouche à miel, il sculpte aussi l’habitat : une ruche de métal qui semble toute traditionnelle avant que l’on ne s’approche et y décèle de minuscules dessins. Ils sont empruntés aux folles visions que le peintre Jérôme Bosch nous a livrées au XVe siècle : le Jardin des Délices, le Chariot à foin, ou encore la Tentation de Saint Antoine et le Jugement dernier. Hommes-troncs, ornithorynque sur patins à glace, poissons volants, machines infernales, déroute des corps et des consciences… Ces images de l’horreur chrétienne sont ici dévoyées pour dire notre Enfer contemporain. On retrouve d’ailleurs Bosch dans un des nombreux dessins à l’encre présentés ici : sa nef des fous navigue vers un horizon vacillant, quand du ciel tombent une multitude de parachutes, qui font écho à un banc de méduses sous-marin : métaphore de notre folle condition humaine, qui navigue entre deux menaces et ne sait plus vraiment quel vent suivre.

Enfin, de l’abeille, Thomas Monin sculpte l’or : ce miel qui bientôt, lui aussi, ne sera qu’un souvenir. Il le présente en bocaux, remplis d’énormes faux diamants. Ensemble, ils jouent avec la lumière du jour. Sur chacun des récipients est inscrit le nom d’une espèce disparue. En alternance, posés eux aussi sur une étagère, des bocaux d’huile de vidange, cet or noir et fatigué, portent, eux, les noms de ces substances toxiques que nos corps abritent en toute inconscience. Sujet malgré lui à l’emprise du mal, l’homme se dessine dans cet œuvre en un héros malsain plus que malmené: les acteurs de l’horreur nazie se retrouvent ainsi plantés dans un pot de fleur, alignés comme au procès de Nuremberg. Œuvre au noir… Et pourtant, malgré tout, en un ultime sursaut de conscience, Thomas Monin se situe du côté de la vie, tant qu’il en est encore temps.

                                                                         Emmanuelle Lequeux.    Août 2009

 

ALLEGRO VIVACE

Is the end near? Have our last hours arrived? Without being catastrophic, Thomas Monin’s works, like an  “outburst of the ultimate energy of despair”, attempt to sharpen our awareness about the ecological tragedy corrupting our planet. Poles apart from any anthropocentrism, the artist stages the ultimate energy that Nature injects for the purpose of its own survival by means of drawings, videos and installations. In no roundabout way, he reclaims our animality, and throws himself into a symbiosis with what we too often call ‘environment’, but which is in fact a universe that submerges rather than surrounds us, overruns and reduces us to tremendous humility. Mixing Christian iconography, entomological studies and naturalistic deviations, Thomas Monin invents a sort of activist poetry that prefers deep reflection to slogans, and supplants the light of blind optimism with a sense of darkness. It is not a work that buries its head in the sand. While many contemporaries use the ecological concern as a brand mark, Thomas Monin delivers a message of urgent necessity. While some settle for ungrounded artificial Nature, Monin tackles the roots of evil. It’s a matter of life and death. He puts us on guard against the disasters looming on the horizon. In one drawing for instance, an infinite tornado formed by a swirl of first names appears to announce an ineluctable ending, pointing to us rather than to time as the cause of the entropy of this world.

Living matter is the throbbing heart of this work; like Noah’s ark, it provides a shelter for endangered species where fragile, injured, yet splendid, the animals parade.  On one video, a deer’s head is burning though its antlers proudly resist the flames. Noble but humiliated by man throughout history – the deer, once a rake or a rifle rack, is it now rack of conscience? In answer: another drawing presents a faun reduced to a circus animal, jumping through huge antlers. And a deer with antlers on its back that haunts Francis Bacon’s lithograph Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion. Other animal : a drawn portrait of the Bufo Perigledess, an endemic species of toad from Costa Rica that disappeared in 2001, becomes a small war memorial.

The bee returns like a leitmotiv: the insect we study thoroughly to better understand man’s social functioning, the one that murderous insecticides and OMG gradually condemn to death, and whose disappearance we say will cause the eradication of the human species within a few years. Thomas Monin depicts the larvae as though to perpetuate their survival at all cost. He draws their cells emptied out, abandoned to the whiteness of absence. In an installation he crucifies the bee that takes on human proportions, recalling the violence of the entomologist’s habit of pinning insects on boards to better study them, so they. In one drawing the bee has the face of Edmond Albius Melipona, a slave who invented an artificial way of pollinating vanilla and who here takes the place of an extinct bee.

Monin also creates the honeybees’ house, a traditional looking hive in metal, containing tiny drawings borrowed from Hieronymous Bosch’s mad visions of the xv^th century.  (The Garden of Earthly Delights, The Hay-Cart or The Temptation of St. Anthony and The Last Judgment). Armless and legless men, ornithorhynchus on skates, flying fish, explosive devices, a retreat of bodies and consciences… These images of early Christian horror reflect our contemporary Hell. One of Bosch’s many ink drawings presented, is his ship of fools sailing towards a staggering horizon while a multitude of parachutes fall from the sky, echoing a sea bed of jellyfish. This metaphor of our crazy human condition sails between two ominous threats not knowing which wind to follow.

Thomas Monin carves the bee’s “gold” - honey that will become a mere souvenir. It is presented in glass jars filled with huge fake diamonds that toy with daylight. The name of an extinct species is engraved on each jar set on a shelf. Alternating with these are jars filled with used oil, “black gold”, with inscriptions of the toxic components that our bodies unconsciously shelter. In spite of himself, man, subjected to the domination of evil, appears in this work like an unhealthy hero treated more than roughly : actors of the Nazi horror are shown lined up like potted plants awaiting the trial of Nuremberg.

In presenting the dark side and creating this final outburst of consciousness, Thomas Monin in fact, stands by the side of life as long as time allows.

After Emmanuelle Lequeux (translated from French)

Emmanuelle Lequeux is an art critic and a journalist for Le Monde, Beaux-Arts Magazine and O2.

 

 

                                                                                         Au sujet de l'exposition "Allegro vivace", article de Jonas Jacquel sur dijonscope.com sam 26 sep 09

                                                                                                                http://www.dijonscope.com/000761-allegro-vivace

En route pour la fin !

Allegro vivace : une exposition tout en clair-obscur

 

 

 

 

                                                                                                               Au sujet de l'exposition ''Allegro Vivace" Galerie Barnoud. Dijon. Octobre - novembre 2009

                                                                                                               Article disponible sur http://www.poursortir.com/evenement/expositions/dijon/triste-butin-du-modernisme-incontr-ocirc-l-eacute-,PS840751.html

TRISTE BUTIN DU MODERNISME INCONTROLE

L'ESPACE moderne et verdoyant de la galerie Barnoud conforte les oeuvres animalières contemporaines de Thomas Monin, mais surtout son message de sensibilisation. D’ardent promoteur de la nature, Thomas Monin passe en combattant de ce qui la détruit, comme il se définit luimême. En dessins, vidéos et constructions plastiques monumentales, le plaidoyer s’ouvre par le film d’un emblématique cerf qui s’embrase et se consume à grand feu pour que, seuls, ses bois finalement subsistent. Une fiction au naturel, car ils devraient brûler en premier, un peu comme ce paradoxe de l’homme destructeur qui sait pourtant que cela ne peut qu’aboutir à sa propre fin. À côté, un autre cerf, naturalisé, porte quatre bois dont deux sur le dos, manifestant d’autres ravages que sont la manipulation génétique et l’avidité du trophée. D’autant de cors cette bête pourrait-elle s’armer qu’elle n’en périrait pas moins de cette insidieuse recherche de consommation de tous les appétits de l’homme. L’abeille ce monument naturel L’oeuvre vitale de l’abeille, sa pollinisation d’un végétal à l’autre sans laquelle la nature s’éteindrait, met en alerte Thomas Monin. D’abord, il la dessine, précisément, dans des formats propres à son observation et postures actives qui révèlent toute sa richesse. Ensuite, il monte un mur d’alvéoles, où les pots jaunes portent le nom d’une espèce menacée et les pots noirs celui d’un produit chimique fatal, et ils sont nombreux. Surtout, une sculpture haute de trois mètres, piquée façon naturaliste d’une aiguille qui la cloue au sol, semble ériger l’abeille en statue. C’est aussi une fontaine, en assemblage de tuyaux dont goutte, de toute la tête, ce qu’elle pourrait butiner mais rappelle davantage, hélas, la salive de l’agonie. Un triste butin du modernisme incontrôlé, dénoncé en une dizaine d’oeuvres. Thomas Monin secoue la ruche humaine. Son dard n’est que défensif pour imager celles qui, réputées ne piquer qu’une fois, se sacrifient au combat ultime de leur dessein travailleur ou pour leur reine tout acquise à leur avenir. Rien d’apocalyptique, encore moins de mielleux, juste un joli coup de patte en oeuvres d’art à la sauvagerie humaine.

 

 

 

 

                                                                                                                Au sujet de l'exposition ''Passer la nuit''  Chapelle du Carmel. Chalon sur Saône. Avril 2009. Article paru dans ''Le Journal de Saône-et-Loire"

samedi 11 avril 2009.
Art image invite Thomas Monin pour « passer la nuit »

L'association Art Image propose au public chalonnais jusqu'au 29 avril une installation singulière en relecture de l'action « Conjunction » de Marina Abramovic et Ulay. Le couple d'artistes travaille et réalise depuis 1976 des actions où se raconte la symbiose de leur relation, éternel sujet entre deux êtres humains. Thomas Monin aborde ce thème au travers d'animaux naturalisés comme cette unité fusionnelle, avec ce dalmatien dont le museau est prolongé d'une tête humaine couverte du même pelage, accroupie face à lui.
L'artiste lance un regard pessimiste sur l'avenir de l'humanité, suscite notre réflexion, que l'on accepte ou non ses sources de références et le message qu'il tente de nous faire partager. La vie la mort, les frontières entre le sauvage et le domestique, l'animalité et l'humain tels sont quelques questions qui interpellent le spectateur. Parmi les œuvres présentées, on peut caresser une mygale « Archival » tentaculaire, formée de huit jambes de cheval, velues à souhait, en mouvement (peur, excitation, fantasme ?). Juste en face et semblant interpeller la mygale géante, trois agneaux naturalisés, extirpant soit de la bouche soit de l'anus, un canard, un serpent ou un corbeau « les mafias ».
Un crâne électrifié, relié à un générateur dont le voyant rouge clignote (matérialisation de la présence divine dans une église, le défense de toucher). Reliant tous ces éléments par sa place centrale « Mâchoires », un échiquier de trente-deux dents posé sur un disque noir, (la dent premier os visible et le plus long à se désagréger ?).
Devant un public clairsemé Mme Lutz présidente d'Art Image a remercié la municipalité représentée par M. Bensaci et invité les visiteurs au pot de l'amitié.
C.D.

 

 

 

 

                                                                                                               Au sujet de l’exposition ‘’Du crépuscule des

singes (ou l’art d’accommoder les restes)’’Centre Culturel Valery-Larbaud. Vichy. Avril-mai 2008, communiqué de presse :

 www.ville-vichy.fr/assets/files/Expo-Monin.pdf�

Au sujet de l’exposition ‘’Desseins pour le

vivant et pour l’inerte’’ Galerie Barnoud. Dijon. Février-mars 2007, chronique de Guillaume Dorvillé :

www.garage-ac.org/indep?itemx.phid=616

Chronique du Bien Public :

www.bienpublic.com/quartier/viearts/20070302.JSL0866.html�

 

Au sujet de l’exposition ‘’Bonassus like

America ?’’ Maison de bourgogne. Mayence. Allemagne. Septembre 2006, lecture de Günter Minas (en allemand) :

www.minas-mainz.de/html/lectures/lecture_45.htm�

 

                                                                                       A l’occasion de l’exposition ‘’De l’ampleur du mélange’’ Espace Boudeville. Dompierre s/Besbre. Mai-juin 2004 :

Article de Cécile Jouanel. Magazine Un, Deux…Quatre, arts & Cultures N° 212, 2^e semestre 2004

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Transmutation Poétique

Francesca Caruana. Mars 2004

F.Caruana est Artiste, Maître de Conférence en Arts Plastiques et sciences de l’art. U. Toulouse II le Mirail IRSCE (Institut de Recherche en Sémiotique, Communication et Education), CERASA.

Face aux œuvres de Thomas Monin, tout un aspect de l’orthodoxie esthétique est remis en cause, jusqu’aux termes mêmes d’un article qui la rendrait pourtant exigible. Il ne sera donc pas question d’analyser point par point les temps et les modes des déclinaisons plastiques rencontrées dans ce parcours artistique. Je voudrais aborder ses œuvres à la manière de la promenade mentale, jouer du ricochet qu’elles provoquent entre idée et objet, matières et sensation, entre perception et « massage », comme il le prescrit lui-même. Dès lors, comment répondre à une pratique artistique par un texte ? Comment l’approcher si ce n’est en en partageant l’enveloppe esthétique ? Autant de termes que l’intérêt pour une pratique comme celle de Thomas Monin suscite. La découverte progressive de ses pièces m’a conduite à établir une interprétation quasi métaphorique qui sert la logique esthétique à laquelle il semble lui-même aspirer : attirer le spectateur dans un jeu osmotique entre l’environnement, l’œuvre et le vivant. Dans un premier temps, la métaphore s’est limitée au niveau de l’émotion esthétique, puis elle a pris une dimension paradoxalement analytique. En effet, le crâne Lluks, le bison Window, les sphères de dents humaines et les étoiles d’ossements Dynamos ont représenté un appel à des ancrages partagés qu’ils soient de nature matérielle ou formelle. Les figures si arbitraires en apparence appuient leurs éléments constitutifs sur une perception du monde qui associe les opposés : le résistant et l’instable, l’absurde et le logique, l’habituel et le détourné. Les pièces entament ainsi une valse séductrice, insolite, sans but, si ce n’est celui de « masser » le spectateur selon l’expression de l’artiste. On peut avoir quelques réserves, sur cette idée de « massage » qui définit un protocole fonctionnel entre le spectateur et l’œuvre. En effet, rien n’est moins sûr que l’œuvre « agisse » à tout coup, le nombre des registres porteurs d’accès à sa signification reste inévaluable et c’est bien là que le champ demeure ouvert, que les accents plastiques, imaginaires, ou référencés du spectateur vont en augmenter les interprétations possibles, et par conséquent sa réalité. Il reste que les matériaux et sujets incriminés produisent un malaise instantané, une sorte de pathologie perceptuelle qui ne permet plus au spectateur d’attribuer sans hésitation des taches à un homme-dalmatien, de l’humanité à un cheval, des bijoux à une tête. En l’occurrence la tête dont il est question est un crâne, hors dimension, loin de toute imitation, qui paré de la sorte, s’animise royalement, jouant de la ressemblance formelle et de la dissidence ornementale comme trophée d’une guérilla entre les vivants et les morts. Enfin, plutôt qu’aux effets d’un « massage », l’œuvre invite fortement à pénétrer dans l’action du « massage », pétrir et se laisser pétrir, situation de porosité où l’objet est en acte ! Mais que dire de ce massage utopique, désiré par l’artiste, pensé comme constitutif et qui peut être repoussoir dans une certaine logique perceptive ? En effet comment vivre ce massage de l’œuvre, ou par l’œuvre, lorsque la narration de chacune d’entre elles est déjà un transport, un émoi esthétique ou sensuel du rapport entre matériaux et objets ? Est-ce qu’il ne serait pas plutôt question d’une intrication entre le spectateur et l’invention de l’artiste, j’entends par là une invitation à être le sujet, à y participer ? Précisons ici que le sujet auquel nous invite Thomas Monin n’est pas celui qu’on croit, il n’a pas l’apparence malencontreuse confondue parfois avec le thème, il n’est pas celui non plus qui immole une figure pour en substituer une autre. Ces œuvres forcent à une scénographie du sujet qui conçoit l’espace comme une saturation continue entre les objets. Les formes ne sont pas incrustées dans le monde ou des figures agrafées à un espace préexistant, mais les stases d’un processus dans lequel les relations s’établissent par cooptation : lorsque l’animal est mort, il invite à la réflexion sur l’homme, lorsque le minéral se détache, il change d’espèce, et quand la logique s’en mêle, elle mute d’un champ à l’autre, passant du formel au matériel, de l’esthétique à la vie. La continuité constitutive des formes et de l’espace place le spectateur dans un processus associatif par lequel notre vagabondage mental produit des idées adéquates ou pas, mais présentes au moment de l’événement créatif. Un crâne revêtu de bijoux peut tout aussi bien suivre la chaîne associative de la mort et de la parure que de l’os accompagné d’une chair luxueuse qui en détournerait la menace. De même, la ligature de forme opérée entre un homme et un dalmatien absout tout illogisme et rend aux possibles leur force et leur absurdité onirique. C’est dans ce contexte frôlant de vaniteuses Vanités que T. Monin décrit les liens, inextricablement tissés entre la microbiologie et la matière dite inerte. Il pose ainsi la question de savoir si toute filiation est imaginable, si l’anatomie produit de la norme de même catégorie et si la notre-même est si implicite, si l’homme produit bien de l’humain, pendant que le détail montrerait le tout par fractalité ? Autrement dit le vivant humain reproduit-il indéfiniment le vivant humain, il semble qu’il produise du vivant et plus particulièrement du vivant esthétique. Pourrions-nous nous penser « descendant » d’une pierre ou d’une plante, avoir pour ancêtre un fruit ou une musaraigne? L’évidence même de notre système répétitif de reproduction, pensé jusque-là, en terme de ‘pureté’ et non d’hybridation, est mis à mal par TAXIS. Y aurait-il ainsi une séparation telle, qu’une nature morte existe en soi, par autogénération de matière ? Qu’une sculpture naisse de sa propre nécessité ? Qu’une installation surgisse d’un prélèvement chaotique ? La réponse plastique qui nous est proposée ravive des concordances souvent suggérées par l’irrationalité et que nous refoulons, à nos dépens. Bizarrement, cette pensée, transverse à des domaines si soigneusement balisés par la science (origine, hérédité, transmission des savoirs…) est très tôt contredite dans l’enfance, par l’imagination. Un enfant ne reproduit rien, il parcourt et laisse des traces plus ou moins rationnelles de ses perceptions. Il faut insister cependant sur le caractère « plus ou moins rationnelles » qui serait alors à comprendre comme « plus ou moins » recevables par les règles de définition des objets du monde (un crâne de bijoux surdimensionné, une fusion d’homme et chien, des bovins morts ou vifs mais manifestement déportés du monde animal…), par leurs extensions interdites, par des croisements obscènes entre formes et matières, par des indécences logiques. Les œuvres de T. Monin racontent cette dissidence qui ne reprend pas moins les sources légitimes de toute création : percer le secret d’un prolongement entre minéral et végétal, humain et animal, formel et conceptuel, spatial et temporel en usant des ruptures de filiation. Les solutions (chimiques) plastiques abondent et servent un continuum imprévisible. Mais disant cela, les couples ne s’opposent pas, ils sont des « être-là » que seul l’artiste transgresse en les mariant ou démariant inopinément. Ainsi, dans Dédale électrique, les taureaux invités au même parcours que les spectateurs protégés d’un danger par un subterfuge qu’ils ignorent, appareillent malgré eux le vivant animal et le vivant humain dans une problématique plastique où la sculpture vivante qu’ils incarnent rappelle celle de l’Arte Povera lorsque Kounellis « expose » ses chevaux. Mais on ne peut s’arrêter là. Dès lors que le spectateur est « protégé », il plonge dans la fiction de l’œuvre. Il est spectateur participatif mais arraché à l’œuvre. La pièce se constitue l’instant d’une contribution entre l’homme et l’animal, mais se dissout aussitôt dans la répartition des univers respectifs. La culture supporte la disjonction entre la réalité animale et la dramaturgie esthétique. Le danger de l’art est convoqué dans ce labyrinthe qui, s’il évoque un Minotaure fantomatique, loin de montrer quelqu’enfermement que ce soit, renvoie davantage, semble-t-il, à l’archaïsme spatial contenu dans l’arène antique. Il y a des bords à la scène comme il y eut un cadre au tableau, et comme il y a des limites à la science. La confrontation n’a pas lieu, le labyrinthe est une figure métaphorique de l’impuissance de l’homme à évaluer ce qui le singularise. La filiation esthétique passe du coup par les fourches de la ressemblance, non pas entre nature et art mais entre art et art, et je devrais dire pour ce qui est de T. Monin entre art et création. Il va de soi que cette œuvre n’illustre pas pour elle-même, mais énonce et dénonce l’arrogance des œuvres qui n’auraient pour carte d’identité que la géographie de la subjectivité.

La vision ample et transverse que Monin a de l’art l’amène à intégrer ses œuvres qu’il nomme des « réactifs » dans le processus vital aussi bien de la survivance que du végétatif. La différence est que les œuvres ne crient pas leur appétit, mais citent l’appétit de leur créateur. On ne saurait éviter les repères représentés par Jan Fabre, Monique Friedman, icônes utiles du domaine de définition dont un Thomas Monin propose ses propres abscisses et ordonnées. Toute sa mise en scène est comprise entre une pensée collective et la « ponctualité » qu’elle opère par pincements : une histoire de l’art dont on se refusera catégoriquement à fixer l’origine, et la présence tranchante d’une œuvre qui n’oublie pas son passif, fusse-t-il intemporel.

A cela, T. Monin offre quelques résolutions : la forme est mise pour un rituel, la matière pour un organe, le sujet pour un Autre. Les leurres n’en sont pas. Ils annoncent leurs propres ambiguïtés : là où vous voyez, vous ne voyez pas ce qu’il vous semble voir, car vous en faites partie. Ces œuvres surgies par acculturation « naturelle » font une liaison dantesque entre l’archaïsme le plus essentiel de l’espèce et les manifestations hystériques du monde occidental qui conjugue et décline toutes les sortes d’appropriation. Le monde ne communique pas, les êtres et les choses ne sont pas juxtaposés comme on le croit, la communication est seulement d’origine, dans l’être-là des objets du monde et ne remplit aucun autre rôle que celui d’indiquer qu’il n’y en a pas. Là où un objet est, rien d’autre n’est possible que son épiphanie. Tout ce qui entoure une œuvre vient bâtir le cortège de ses approximations, de son mode poïétique, de sa réalité. Ainsi, les œuvres de Thomas Monin montrent la chair de ce qui n’est pas dit, un entre-deux que révèlent dans un processus continu l’univers de l’esthétique et la réalité physique des objets. Chaque œuvre se rapporte à une corporéité paradoxale où l’hybridation n’est pas celle que l’on croit, ni narrative ni formelle, mais citation d’un vide qu’il opacifie, tel le peintre qui matérialise par des pigments la transparence du verre. Mais pas de méta-langage dans la démarche de T. Monin, ni de métamorphose, il s’agit d’un « serait » permanent, d’un conditionnel de l’œuvre en collusion avec l’actualité où sa légitimité est la vie. Avec lui, la question ne se pose plus de savoir d’où l’homme est issu, il « descend » de l’art.

Francesca Caruana- mars 2004

 

 

 

                                     Au sujet de l’exposition ‘’Aux aurores ex carne’’

Galerie Barnoud. Dijon. Mars-avril 2003 : Article De Yann Popovic. Le Bien Public. Mars 2003

 

 

 

 

                                                       Au sujet de l’installation du dalmatien de ‘’TAXIS’’ à la

Chapelle de l’Hôtel Chartraire-de-Montigny. DRAC Bourgogne. Dijon. Octobre 2002 : Article de Yann Popovic. Le Bien Public. 5 octobre 2002.